Meet The Bacon: Jim Pluk

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Jaime Sanabria, mejor conocido como Jim Pluk, es un artista colombiano cuyos dibujos, ilustraciones, collage o cualquier técnica que decida usar, transmiten una especie de inocencia al mismo tiempo que muestran una realidad que no siempre lo es. Jim Pluck ha trabajado y colaborado con diferentes artistas latinoamericanos, además de haber presentado diferentes proyectos en varías galerías en distintos países. Gracias a la iniciativa de Pictoline, Global Residency, tuvimos la oportunidad de platicar con él y conocer más acerca de él y su trabajo.

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¿Cómo surge el nombre Jim Pluk?

Jim viene de Jaime, varia gente en el colegio me decía Jimmy, James y poco a poco fue variando a Jim. En el colegio, en el 96, también me pusieron el apodo de “Peluca” porque tenía el corte de pelo como de casquito, horrible, me quedo súper mal hecho y parecía peluca, entonces Pluk es una abreviación de eso. En realidad es Jimmy Peluca, pero no mucha gente sabe eso.

En muchos medios te han descrito a ti y a tu trabajo como representantes del trazo naif o del trazo breve ¿Te identificas con estos adjetivos?

¡Claro! Siempre me ha gustado mucho el trazo y el arte naif, además creo que ha sido una influencia en lo que pasa a nivel pictórico en mi trabajo. Los referentes que más tengo son el trabajo de los niños, de la gente que no dibuja habitualmente, como si pusieras a dibujar un vigilante. Siento que el arte es para todo el mundo, tienes que bajarte de ese podio en el que está el arte y ponerlo para el pueblo, también.

Has experimentado con muchas técnicas pero ¿cuál fue tu primer acercamiento a la ilustración y cómo fue que te acercaste a otras técnicas?

Como todos, empecé dibujando desde pequeño, con lápices y eso, pero poco a poco fui incursionando en el collage. Me acuerdo que el colegio yo hacía muchos collage, tomaba los álbumes de Disney, del Rey León, los recortaba y les ponía texto, como si fuera una foto novela pero incluía dibujo. Era un cómic-collage-fotonovela, era ir experimentando. Luego me fui por la pintura y eso, empecé a estudiar diseño gráfico y fue cuando me incline más por la ilustración. Después deje un poco eso y retomé la pintura, el dibujo un poco más suelto, tintas…

Hace poco publicaste una colaboración de bordado que hiciste con tu mamá ¿Podrías platicarnos un poco sobre esto?

Pues a mí siempre me ha llamado la atención el arte indígena, el arte precolombino y todo el trasfondo que hay en él; la narrativa de una sociedad; es un reflejo de lo que está pasando, o de lo que les pasó. Como yo veía esos telares y bordados mexicanos, bolivianos y peruanos, pensaba que sería muy chévere hacer algo así pero con personajes míos y mi mamá en ese momento empezó a bordar y tejer, entonces le dije “hagamos algo entre los dos.” Yo diseñé todo el telar, conseguí las telas, los hilos y ahí empezó todo. Ella hizo todo el trabajo bordado. La idea es reflejar muchas ideologías en las que yo creo y hay muchos simbolismos en ese telar.

En tu obra está presente lo sobrenatural, los ovnis, los fantasmas y cosas similares ¿por qué te llama la atención todo esto?

Son situaciones que me han pasado desde hace muchos años. Se han manifestado situaciones, lo curioso es que nunca me ha dado como susto o miedo, sino que me ha llamado más la atención investigar sobre eso, buscar testimonios de personas en quien confió y han pasado por eso, paralelo a esto he hablado con ufólogos y gente que investiga.

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Sobre esto, tienes una imagen del logo de la NASA, pero dice “SHHH”…

Sí, eso simboliza que la NASA siempre se está callando muchas situaciones y a partir de la compilación de estos testimonios abrí un blog de investigación que se llama Wonder, con Gabriel Garvo, que es chileno, y Manifesto79, que es un ilustrador colombiano. Los tres tenemos afición por este tema, pero no lo vemos como ciencia ficción sino como una realidad oculta, es el slogan “No es ciencia ficción, es una realidad oculta.”

Si encontraras un extraterrestre, ¿qué sería lo primero que le invitarías de comer?

Frutas.

Siguiendo la línea de lo sobrenatural, tienes también Si Fuera Un Alma en Pena, en una parte del zine dice “Le haría cosquillas a Dios”, ¿sí le harías cosquillas a Dios?

(risas) Es una metáfora; veo a Dios como algo muy amigable. Yo estuve en una congregación cristiana y me di cuenta de muchas cosas que no me gustan, salí muy molesto de eso porque llega un punto en el que son fanáticos, acusan a los demás y no se refleja ese amor que pretenden reflejar. Lo de las cosquillas es como otra forma de abrazo, un saludo, como si fuera un amigo.

Canosa es un personaje que se repite en muchos de tus trabajos, ¿cómo nació?

Canosa nació más o menos en el 2007, fue saltando poco a poco de la ilustración, de los proyectos personales al comic, de alguna forma quise experimentar con ella e integrarla a distintas fases del trabajo. Tiene una personalidad muy opuesta a mí; es súper extrovertida, quizás nos parecemos en la curiosidad.

¿Por qué se llama Canosa?

Es algo relacionado con mi mamá.

Tienes una publicación, Canosa y Los Detestables Humanos¿qué los hace detestables?

Todo (risas). Para mí el peor invento que pudo haber sido creado es el dinero y como todo gira entorno a eso y ese libro trata mucho sobre ese tema. Nos olvidamos de las cosas sencillas; de cuidar nuestro planeta, por qué si nos respetamos tanto pasamos encima de los otros. Es una crítica a por qué somos tan intolerantes con los homosexuales, con los que no piensan como nosotros… Es un llamado también al respeto y la tolerancia.

Canosa está siempre acompañada de un perro, los cuales también son constantes en tus ilustraciones, de hecho tienes un póster que se llama “Perros Posmodernos.”

Ese lo hice con Garvo y Maybe!, uno es chileno y otro argentino. Salió como una propuesta que teníamos de hacer un libro pero luego no se pudo e hicimos mejor un cartel.

Tienes además un blog llamado “¿Para Qué Dibujar Humanos?”, entonces ¿por qué dibujar perros?

Soy bastante fanático de los perros y de los animalitos en general entonces decidí abrir un blog tributo a eso.

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De hecho tienes muchos blogs, entre ellos uno dedicado a Doraemon ¿Cómo conociste Doraemon?

Como muchos conocí a Doraemon hace muchos años por la serie animada que pasaba en los canales nacionales en españolete, pero de pequeño no me llamó mucho la atención; fue hasta hace menos de un año que llegué por curiosidad. Un día que estaba sin hacer nada, me puse a ver una película de Doraemon, la nueva que es en 3D, y de alguna forma me causó mucha emoción esa película, se fusionó con un interés de lo paranormal, entonces me puse a ver las otras películas (Tiene 36 películas). Lo que menos me gusta en realidad es la serie y lo que puedo conseguir son los cómics y las películas, las cuales tiene un trasfondo muy bonito con el que me siento identificado. Es muy de ciencia, muy científico de estas cosas paranormales. Fue un redescubrimiento muy bonito.

¿Cuál es tu aventura/película favorita de Doraemon?

La del tren del tiempo (Doraemon: Nobita and the Galaxy Super-express), creo, porque soy muy malo con los nombres.

¿Por qué decidiste abrir ese blog y cómo eliges a los participantes? ¿Qué planes tienes para él?

Empecé a dibujar mucho a Doraemon, como fan art, y vi que a muchos de mis amigos dibujantes también les gustaba y habían hecho como sketches y bocetos, así que empecé a contactarlos. Después llegó más gente, porque sí es invitar a ilustradores, artistas, pero también a gente que no dibuja. Sería chévere hacer un fanzine, una publicación o algo, pero en realidad no hay planes.

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Hiciste un libro llamado El Desierto de Los Payasos¿cómo surgió ese libro?

Ese libro lo hice con René Segura, quien es vocalista de una banda que se llama Odio a Botero que es como una banda fusión de punk. La banda de Rene fue a tocar a Bucaramanga y yo les hice unas fotos en vivo, además él se quedó en un hostal donde hay muchos murales míos. Le mandé las fotos y él me dijo que le gustaron mucho los murales y me invitó a trabajar en el proyecto del libro.

¿Cómo sobrevivirías en un desierto?

No sobreviviría.

Hay un comic que salió en Vice que se llama Pipe El Punk¿cuál es su historia?

En inglés lo tradujeron como Phil The Punk. Pipe nace de la banda Pterodáktiloz, con mi amigo Emmanuel hicimos un grupo de punk molestando, de juego; entonces empezamos el proyecto. Comenzamos a escribir las letras y le dije a Emmanuel “¿por qué no hacer que las letras sean los textos de un cómic?” y empecé a crear un personaje para la banda, de ahí empezó a surgir la idea. Básicamente es ese punk de chile, algo así como fresón, que aparente tener mucha calle, pero igual es una sátira. Poco a poco fuimos creando más canciones y por ende más cómics.

Vice me contactó porque habían visto el cómic y les gustó pero lo querían a color para publicarlo en su página, pero el cómic lo había publicado en blanco y negro en el 2014-2015, y cuando me contactaron, un año después, ya no me gustaba el diseño del personaje, entonces lo decidí cambiar un poco.

¿Por qué es importante el punk en tu formación como ilustrador?

Porque el punk es muy de “Hazlo tú mismo”, de autogestión, no depender de empresas grandes y eso me gusta mucho, pero también he trabajado con editoriales; me muevo entre ellas. También en la música me gusta el punk pero también la clásica, de todo.

Comenzaste a hacer carteles porque muchas bandas veían tu trabajo en Myspace; por lo que la música es algo importante en tu trabajo ¿Qué escuchas mientras dibujas?

Últimamente mientras estoy dibujando o trabajando en proyectos editoriales o similares trato de no escuchar música porque me distraigo mucho. Escucho música cuando me estoy concentrando pero ya en artes finales me disperso.

Dices que no escuchas música mientras trabajas pero en el proyecto Infierno Bebe, dibujas en vivo mientras DJ Trucha toca, ¿cómo es esta experiencia?

Entre DJ Trucha y yo tenemos este proyecto que es un mashup musical. Es un sátira a la iconografía popular de Colombia, también es jugar con la política, la corrupción, la religión, etc. La idea es que el toca y yo voy dibujando en vivo y se proyecta, es improvisación. Podría ser un performance que empezó como experimento pero terminó gustándome y también a la gente, aunque luego no saben cómo reaccionar, no saben si quedarse mirando o bailar. Es un experimento chévere que está creciendo.

Participaste en una exposición de fotografía, 30 Fotógrafos, sin embargo no te consideras uno ¿Por qué?

Siento que en el mundo de la fotografía tratan de modo despectivo a los que intentan hacer foto, como si uno tuviera que hacer una maestría o muchas cosas para experimentar con foto. Yo simplemente agarro la cámara y empiezo a experimentar, también ha sido en parte curiosidad, como el collage y demás técnicas (Aquí pueden seguir el Instagram de foto).

Hice un taller con Ruven Afanador, que es un fotógrafo colombiano muy destacado, y fui seleccionado para hacer el taller con Ruven.

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Durante tu visita a México tomaste muchas fotos a la gráfica mexicana popular, ¿qué es lo qué te interesó de esto?

Por lo naif de lo popular, el DIY, imagino al tía del señor de la tienda haciendo el logo. También es algo que pasa mucho en Colombia, me gustan muchos esos murales que hacen en los negocios.

¿Cómo fue tu 15 de septiembre en México?

Era festivo y yo venía con planes de turistear terrible y todo cerrado. Me quedé con Diego Loza, un gran muralista, me invitó a comer esa noche y una variedad de platos increíble, todo súper rico, aunque yo no puedo comer carne roja ni lácteos. Pero pasamos una noche muy divertida; los mexicanos son muy amorosos, la convivencia interna, los detallitos en cada planto…

¿Cuáles son tus creadores mexicanos favoritos?

Abraham Diaz, Diego Loza… es que hay muchos. Me gusta también Iurhi Peña y  Raúl Pardo.

¿Qué opinas de iniciativas como la Global Residency de Pictoline?

¡Las diez estrellas! Es una propuesta increíble y totalmente sorprendente para mí. Es una experiencia totalmente, uno aprende de diferentes medios, trabajo colectivo, a nivel social de lo que está pasando, a nivel cultura… Es un intercambio en todos los sentidos, uno nunca termina de aprender.

En un mundo lleno de noticias, ¿Cómo te mantienes informado?

No me mantengo informado, Yo sé que no es la mejor manera huirle a esas situaciones pero trato de no estresarme y tampoco decepcionarme con tantas cosas. Obviamente no todo es malo, pero no me estoy informando ni de lo malo ni de lo bueno.

La personas quieren todo al instante, ¿esto de qué manera influye/afecta al arte/ilustración?

Yo creo que influye mucho a nivel de trabajo porque los clientes dicen “Quiero unas ilustraciones y las quiero para ya y a buen precio” y eso no se puede, el trabajo de ilustración tiene que ser con calma y paciencia, con mucho tiempo de anterioridad. No está mal la tecnología pero creo que no es tampoco para abusar y depender 100% de eso. Obviamente está hecha para crecer y avanzar a nivel de conocimiento pero siento que perdemos también mucho tiempo en redes sociales y chismeando cuando en realidad tenemos una biblioteca gigante para aprender.

¿Qué te llevas de Pictoline y qué les dejas?

Me llevo mucho amor, no sólo de Pictoline sino de México. ¿Qué les dejo? espero que también lo mismo, obviamente aprendí muchas cosas acá también.

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Puedes seguir más de su trabajo a través de su página web, TwitterFacebook, Instagram o Tumblr, y leer las entrevista a los demás invitados de Pictoline aquí.